Rezension zu Massenets "Werther" an der Opéra-Comique in Paris (Andreas Rey)
- Andreas Rey
- vor 3 Tagen
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Werther an der Opéra-Comique
Vom 19. bis 29. Januar zeigt die Opéra-Comique in Paris Massenets Oper Werther, gespielt vom Ensemble von Raphaël Pichons Pygmalion unter der Regie von Ted Huffman. Die Besetzung umfasst auch renommierte Sänger wie den Tenor Pene Pati und die Sopranistin Julie Roset. Das ist zweifellos der Grund, warum der Fernsehsender ARTE am 23. Januar die Oper live übertrug und das Video mehrere Monate lang auf seiner Website zur Verfügung stellen wird.
Nachdem die französische Hauptstadt bereits einen Werther im Théâtre des Champs-Élysées aufgeführt hat, präsentiert sie den Liebhabern dieses Jahr eine neue Version. Während die damalige Produktion des Werther unter der Leitung des Schweizer Dirigenten Marc Leroy-Calatayud und dem Orchester Les Siècles mit historischen Instrumenten eine klare Melodielinie beibehielt, die die narrativen Elemente ohne Nachdruck miteinander verband, die diesjährige Produktion mit Raphaël Pichon und seinem Orchester Pygmalion scheint, obwohl sie ebenfalls eine fließende Phrasierung aufweist, die melodramatischen Elemente der Partitur zu betonen und grenzt damit an Klischees. Die barocke Dirigierweise während der Ouvertüre mit für diese Musik etwas zu starken Betonungen und Akzenten, die beispielsweise an Händel erinnern, fällt ebenfalls auf, verschwindet aber jedoch glücklicherweise im Laufe der Aufführung. Dennoch blieb die Dirigierweise schön, wenn auch leider ohne den unerwarteten Charme.
Was den Gesang betrifft, so rollt Pene Pati zwar die R, was die Fremdartigkeit Werthers in der Welt des Vogts und Charlottes noch verstärkt, doch seine Schwierigkeiten mit den hohen Tönen, die ihn außer Atem bringen, stören. Dennoch behält er in den mittleren Tonlagen einen Gesangsstil bei, der der gesprochenen Sprache sehr nahekommt und ihm einen gewissen Charme verleiht. Seine Darstellung eines kindlichen Werthers, unterstrichen durch eine enganliegende Hose, und seine Anziehungskraft auf Kinder lassen jedoch die Arien, in denen er vom Selbstmord angezogen wird, trotz des Kontrasts zwischen Jugend und Tod, vor allem im Vergleich zur sonnigen Darstellung von Benjamin Bernheim vor einiger Zeit, nicht so fesselnd wirken wie gewünscht. Es scheint hier an Substanz zu mangeln, mehr in der stimmlichen Darbietung als im Innenleben der Figur.
Auch wenn Adèle Charvets Charlotte eine sehr trockene und fast steife Gesangstechnik beibehält, die die Härte ihres Umfelds und die alten Versprechen, die auf ihr lasten, zeigt und sie fast zu ihrer verstorbenen Mutter macht, behindert sie dies in den sentimentalen Szenen, vor allem gegenüber Werther.
Glücklicherweise ist Julie Roset als Sophie dabei, die mit ihrer Natürlichkeit die selbstverständliche, behagliche und ungefährdete Atmosphäre ihres Zuhauses auffrischt. Wie ein Frühlingswind, spontan, klar, unprätentiös, obwohl virtuos, fast mozartisch, ist die Arie des Lachens zweifellos einer der großen Momente dieser Inszenierung.
Und dann ist da noch Christian Immler als Vogt, dessen Stil ebenfalls sehr mündlich ist. Er spielt hier einen fast Arkel-ähnlichen Vogt, der sich nicht zu sehr anstrengen muss, um die ruhige moralische Verkörperung der Figur zu zeigen.
Die Stimmen von Schmidt und Johann sind sehr flüssig, gehören zu den leichten und lebhaften unter der Dominanz der tiefen und ernsten bei Massenet, bleiben eher apollinisch als dionysisch und es fehlt ihnen an Derbheit, obwohl diese Figuren so oft Bacchus besingen. Auch hier waren die Darbietungen von Rodolphe Briand und Yuri Kissin lebendiger als hier. Die Baritonstimme von John Chest als Albert, die somit zu den moralischen Stimmen gehört, wird mit der Zeit zweifellos einen ausgezeichneten Bailli abgeben, wobei auch hier ein Gesang beibehalten wird, der der Mündlichkeit nahekommt. Erwähnenswert ist auch das Paar Kâtchen und Brühlemann, das wie Charlotte und Werther gelungen ist.
Der wahre Erfolg dieser Inszenierung liegt in der sehr nüchternen und wirkungsvollen Inszenierung, die die Aufmerksamkeit zunächst auf den Kern der Oper lenkt, nämlich die Begegnung zwischen dem zerbrechlichen, fast Karikatur haften romantischen Charakter Werthers und der friedlichen Solidität des Familienheims, und im weiteren Sinne den Untergang oder die Unterwerfung der Gefühle unter die Moral. Die fast leere Bühne, deren Boden mit warmen oder kalten Farben beleuchtet wird, um den Wechsel der Jahreszeiten und die Atmosphäre der Oper zu zeigen, wird hier vor allem von einer Kirchenorgel und dem Familientisch eingenommen. Die Parallelen zwischen den Kindern und Werther, dem Paar Johann-Schmidt und Werther, Charlotte und ihrer Mutter oder dem Vogt und Albert werden hier sowohl durch die Regie als auch durch die Kostüme und das Bühnenbild unterstrichen, indem sie oft zusammen platziert und gleich gekleidet werden. Ebenso ist die Wahl der Kostüme, elegant und farbenfroh für die Familie des Vogts und trist und ungepflegt für Werther, um ihren Antagonismus zu zeigen, von Kostümbildnerin Astrid Klein und ihrer Assistentin Louise Watts sehr gelungen.
Insgesamt eine recht gute Inszenierung.
Andreas Rey
Französisch
Werther à l’opéra-comique,
Du 19 au 29 janvier, l’opéra-comique de Paris donne l’opéra de Massenet Werther joué par l’ensemble de Raphaël Pichon Pygmalion dans la mise en scène de Ted Huffman. La distribution tient aussi des chanteurs de renom comme le ténor Pene Pati ou la soprano Julie Roset. C’est sans doute ce qui retient la chaine de télévision ARTE, qui diffusa le 23 janvier l’opéra en directe et gardera sa video plusieurs mois sur son site.
La capitale française après avoir donner un Werther au Théâtre des champs Elysées, en donne donc pour les amateurs une nouvelle version cette année. Si la direction du Werther d’alors avec le chef d’orchestre suisse Marc Leroy-Calatayud et l’orchestre Les Siècles avec des instruments d’époque gardaient une ligne mélodique limpide fondant les éléments narratifs sans insistances, celle de cette année avec Raphaël Pichon et son orchestre Pygmalion, bien que maintenant également une fluidité dans son phrasé, semble, quant à elle, insister sur les éléments mélodramatiques de la partition, frôlant ainsi le cliché. La direction proche du baroque durant l’ouverture avec des insistances et des appuis un peu lourds pour cette musique, rappelant Haendel par exemple, marque également l’attention, ce qui disparaitra heureusement au fur et à mesure de l’exécution. Nonobstant, la direction restait belle, bien qu’au charme attendu hélas.
En ce qui concerne la distribution, si Pene Pati roule les r, ce qui renforce l’étrangeté de Werther dans le monde du Bailly et de Charlotte, sa difficulté dans les notes hautes qui l’essoufflent, gêne. Il garde nonobstant dans le médium une chanter très proche de l’oralité, qui lui confère un certain charme. Cependant son incarnation d’un Wether infantile, donnée par un pantalon tirebouchonnant, et son attirance vers les enfants, rend les airs durant lesquels il est attiré par le suicide, pas aussi prenant que désirés, malgré le contraste entre la jeunesse et la mort d’alors, surtout en comparaison avec l’incarnation solaire de Benjamin Bernheim naguère. Il semble là manquer de chaire et plus dans la performation vocale que dans la vie intérieure du personnage.
De même, si la Charlotte d’Adèle Charvet garde une technique de chant très sèche et presque roide, montrant ainsi la dureté de son milieu et des anciennes promesses pesant sur elle, la transformant quasi en sa mère défunte, elle l’handicape dans les scènes sentimentales, surtout face à Werther.
Fort heureusement, il y avait dans cette distribution la Sophie de Julie Roset, qui rafraichit avec son naturel l’atmosphère d’allant de soi, confortable et sans grand danger de son foyer. Comme un courant d’air printanier, spontané, clair, sans prétention, bien que viroise, presque mozartien, l’air du rire est sans doute un des grands moments de cette production.
Et il y a aussi le Bailly de Christian Immler, dont le style lui aussi très proche de l’oralité. Il jour ici un Bailly presque Arkel, n’ayant pas besoin d’appuyer trop lourdement pour montrer l’incarnation morale tranquille du personnage.
Les voix de Schmidt et de Johann très fluides, appartenant à celles des légères et vivantes sous la domination des graves et sérieuses chez Massenet, restent plus apolliniennes que dionysiaques, et manque de truculence, bien pour ces personnages chantent si souvent Baccus. Là aussi les performances de Rodolphe Briand et de Yuri Kissin étaient plus vivantes qu’ici. La voix du baryton de John Chest en Albert, faisant donc partie des voix morale , fera sans doute plus tard un excellent bailli avec le temps, gardant là aussi un chant proche de l’oralité. On retiendra aussi le couple de Kâtchen et de Brühlemann, comme des Charlotte et Werther ayant réussi.
La véritable réussite de cette production est la très austère et efficace mise en scène, qui concentre l’attention d’abord sur le cœur de l’opéra, à savoir la rencontre de la fragilité du caractère romantique jusqu’à la caricature de Werther avec la solidité paisible du foyer familial, et par extension du naufrage ou de la soumission des sentiments vis de la morale. La scène presque vide, avec un sol éclairant de ses couleurs chaudes ou froides pour montrer les changements de saisons et d’atmosphère de l’opéra, est ici habitée surtout par un orgue d’église et la table familiale. Les parallèles entre les enfants et Werther, le couple Johann - Schmidt et Werther, Charlotte et sa mère, ou du bailli et d’Albert, sont ici soulignés tant par la direction d’acteurs, que dans les costumes dans la scénographie, en les plaçant souvent ensemble et en les vêtant de la même manière. De même le choix de costumes, élégants et colorés pour la famille du bailli, et terne et peu soigné chez Wether pour montrer leur antagonisme, de la teilleuse Astrid Klein et de son assistante Louise Watts est également fort judicieux.
Un spectacle d’une assez bonne qualité dans l’ensemble.
Andreas Rey
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